miércoles, 16 de abril de 2014

Nueva gesta a favor de la videodanza en Puerto Rico


El próximo domingo 20 de abril a las 7:00pm se celebrará ESPACIOS INTIMOS, una de las primeras muestras de videodanzas en Puerto Rico con foro interactivo integrando trabajos nacionales e internacionales.



La videodanza es uno de los géneros de mayor crecimiento en el arte emergente tanto a nivel local como internacional. Al ser un arte interdisciplinario y fácilmente reproducible a través de las nuevas tecnologías, la videodanza se presenta como una forma actual de llevar el arte del cuerpo y el movimiento a nuevos lugares. En la muestra ESPACIOS INTIMOS, se presentarán cinco (5) videodanzas de artistas puertorriqueñas. También se contará con una proyección de videodanza internacional como "punta de lanza” para abrir el lente y ampliar la conversación sobre el quehacer artístico en nuestro país.





La actividad, convocada por VideoDanzaPR, se llevará a cabo en Cinema Paradiso en la Calle Loiza, proyecto de gestión cultural de gran arraigo en Santurce y el cual ha trabajado para la creación de espacios de ocio, arte y educación para la comunidad. Como un esfuerzo de dar continuidad a labores artísticas, el evento busca llevar la videodanza a nuevos espacios dentro de un marco de interdisciplinaridad. El pasado año se llevó a cabo la primera presentación de muestras de VideoDanza en la CineFIL de la Feria Internacional del Libro de octubre 2013.

VideoDanzaPR es un proyecto de autogestión que surge desde la necesidad y el interés de promover el desarrollo de la videodanza en Puerto Rico. Actualmente está trabajando para la contínua presentación de muestras de VideoDanzas que incluyan foros, componentes web y otras posibilidades artísticas y educativas en torno a la videodanza tanto local como internacional para la comunidad puertorriqueña.

Las videodanzas y presentaciones de la actividad son:

Contexto:
Pachanga en dos medios” (1986) - Merian Soto

Espacios Intimos:
Abridged Examination” (2010) – Verónica Rodríguez
In-quieto” (2013) – Viviana Rivera Rondón
Memorias Negras” (2013) – Jessica Bravo Peña
Camisa de Fuerza” (2013) – Diana Soto y Juan Dávila
Encontrando los Cuerpos” (2013) – Marielys Burgos
Mamá Awilda” (2009) – Awilda Rodriguez Lora

Abriendo el lente:
Video, intimidad y el proceso coreográfico
(presentación oral junto con videodanza) – Ana Sánchez Colberg y Chris Clow

Entrada libre de costo
Info: (787) 567-4438 / (787) 662-7177




miércoles, 19 de marzo de 2014

Al son de cuerdas el Puerto Rico Heineken JazzFest


Por: Heriberto Castro

Los planetas se alinean ante el esperado festival de cuatro días del Puerto Rico Heineken JazzFest. Por vigésima cuarta vez conspira el universo para dejarnos extasiados ante la versátil gama de invitados a presentarse desde el jueves 20 hasta el domingo 23 de marzo del 2014 en el Anfiteatro Tito Puente de San Juan.

Jorge Laboy junto a Luis Álvarez ante firma de guitarra Gretsch que será
rifada para fondo de becas. El instrumento es una donación de "Liberty".
2014©Heriberto Castro
Luis Álvarez, productor del evento y vice presidente de la firma distribuidora de la cerveza que le da nombre al espectáculo, acentuó la cantera de talento isleño que hace posible la celebración del Festival Casals, del Día Nacional de la Zalsa y ahora el Heineken JazzFest en tan corto período. A su vez revalidó la razón de ser del festival: brindar oportunidades a estudiantes puertorriqueños de ser participe en la propia isla de un taller de una semana con profesores de la prestigiosa escuela Berklee College of Music. Anualmente 150 participantes son escogidos para el programa, además de ofrecer becas y ayudas económicas para continuar estudios en la carrera musical.


El festival dedicado a Jorge Laboy, reconocido como uno de los grandes precursores del jazz en la isla ante su producción discográfica del 1987 con su 3AM Band. El afamado guitarrista frecuentemente identificado como director músical o acompañante en guitarra de una extensa lista de cantantes de música popular, posee entre su discografía: Laboy 3AM (1993) producido por el flautista Dave Valentín y Guitarra sin fronteras (2000) producido por el propio Laboy.

Con varias participaciones del PR Heineken JazzFest, Laboy fue pieza clave en los inicios de lo que sería el festival al fungir como gestor y director musical del Heineken Jazz Jam Session Nights celebrados a mediados de la década de los ochenta en el Hotel Caribe Hilton.

Me emocioné ante el cariño de la gente. Mucha gente ayudándome y ofreciéndome sus servicios... y no me esperaba tanto apoyo de tanta gente” exclamó Laboy quién promete tener un artista sorpresa además de la participación de su esposa Ingrid Casanova como cantante y sus dos hijos: Alexander (21 años) en la guitarra e Isabela (11) también en el canto.

Considerándose mas un artista del Pop-Rock-Latin-Funk-Blues, Laboy interpretará de su autoría Canción a Barranquitas con la participación del cuatrista Christian Nieves, por ser la pieza una alegoría de sus inicios en las fiestas en el campo. El artista en ocasión a su homenaje el Domingo 23 de marzo, presentará su trayectoria desde la década de los 80 guiándonos hasta el presente con varios cortes de su próxima producción discográfica “New Blue”.

Gabriel Vicéns


Preámbulo a la dedicatoria del festival, el Sábado bajo el manto de la guitarra, interpretan Gabriel Vicéns junto a su quinteto y la gloria de la guitarra flamenca, José Fernández Torres (Tomatito). Ese mismo día cuenta con la participación del gran saxofonista Branford Marsalis.



Cabe destacar que el cartel de esta edición del festival fue seleccionado como resultado de la competencia que se ha estado celebrando los últimos cuatro años. En esta ocasión la pieza ganadora lo fue The Stain of Jazz de los estudiantes de la Escuela de Arquitectura de Ponce Jesús M. Meléndez Vázquez y Mario Ángel Lugo. La pieza, según Álvarez, destaca la sencillez y humildad de Laboy capturada en la mirada de la pieza en acrílico sobre canvas.



Participación de Tamango en la edición 2013/©HC



En cuanto a baile, es meritorio recordar el hecho de que el pasado año desfiló todo un abánico de estilos ante la gran cantidad de bailarines invitados. Usualmente, el bailarín no es anunciado y es parte del elemento sorpresa durante la presentación. En la edición 2013 se destacó la participación de la bailaora de flamenco Jossette Reilly y el artista del tap-dance Tamango. Quizás este año volvamos a sorprendernos.







Calendario:

Jueves, 20 de marzo
8:00PM Cuarteto del pianista Luis Perdomo con Ignacio Berroa (batería) como invitado especial
9:30PM Jerry Medina y La Banda
Participación de Jossette Reilly en el 2013/©HC

Viernes, 21 de marzo
8:00PM Quinteto del bajista Sammy Morales
9:30PM Terri Lyne Carrington's Mosaic Project
11:00PM The Pedrito Martínez Group, con la destacada participación de Ariacne Trujillo (keyboard)

Sábado, 22 de marzo
8:00PM Quinteto de Gabriel Vicéns con Eddie   Gómez como invitado especial

Domingo, 23 de marzo
5:00PM Puerto Rico en Berklee
6:00PM Edmar Castañeda Trío
7:30PM Jorge Laboy

Boletos a través de Ticket Pop y en Méndez & Compañía (Guaynabo) Precios desde $20.00 
Info: (787) 277-5800 / 641-1999 o (787) 826-7570


domingo, 2 de marzo de 2014

De la coincidencia y lo inesperado

Por: Heriberto Castro

Lo bello, lo bonito, lo perfecto y a veces, lo imperfecto... incesantemente nos conquista por medio de la habilidad en la ejecución durante una función. Desde la perspectiva del observador justificamos los porqués de las palabras, de los movimientos.... captamos el mensaje y desde la distancia.... aplaudimos. Hacemos conexiones que se entrelazan superficialmente una noche pero nos levantamos al día siguiente con los mismos patrones y estados de inconsciencia. En muchas ocasiones el teatro, el escenario, el baile, el performance tienen esta potestad; nos transportan al vacío de lo perfecto, convirtiéndose la función en un despliegue de egos que con pasión aplaudimos por su carácter extraordinario. Si la propuesta de la ejecución tiene como propósito crear conciencia de una causa o inquietud, a veces se pierde con el aplauso... lo perfecto devora el mensaje y se convierte en un pretexto más que la consciencia utiliza para no abandonar el hábito de lo cotidiano.

Este no fue el caso de la noche de anoche....

Aparentemente por casualidad escuché una conversación que tenía lugar cerca de mí durante el Jameo de Música y Danza en Y no había luz. Era una invitación a un trabajo montado en el Barrio San Antón de Carolina. Siendo que la diversidad de respuestas abarcaba desde la certeza de asistir hasta el pretexto para no hacerlo, me llamó la atención. Cautivo de una conversación que no era asunto mío, observé la invitación entregada, despertando mi curiosidad una foto alusiva al boxeo y el título Manual del Bestiario Doméstico. Al ver la imagen, intervine inoportunamente para satisfacer mi curiosidad.

A pesar de la curiosidad, admito que mi intención era no asistir al evento debido a mis circunstancias, consideraciones, la distancia, la gasolina... las excusas. Pero en mi mente quedó lo del Barrio San Antón y la descripción del lugar donde ocurriría el evento. Así que nuevamente despertó la curiosidad... ¿por qué en el barrio?

A medida que transcurrió el sábado, el recuerdo de mis experiencias en mi propio barrio se apoderó de la tarde y abracé la intención de llegar al Barrio San Antón... no por la posible propuesta del montaje, sino por volver a tener la experiencia de barrio. La tarde desfilaba amarilla con cielo azul, perfecta para visitar las nietas de Nonó en el Barrio San Antón.



La Casa de Nonó, Barrio San Antón, Carolina


A mi llegada y mientras me estacionaba me crucé con un puñado de cinco a seis personas del barrio que caminaban hacia la casa de las nietas de Nonó. Como no estaba familiarizado con el lugar, los seguí hasta toparme con la puerta roja de la casa y el espacio perfecto para una gran reunión familiar. Como había té de limoncillo para los presentes, la espera se hizo corta. Nos invitaron a entrar al espacio que he decidido no describir.

Sin expectativas y abierto a las posibilidades... me dirigí al espacio que había escogido para sentarme cuando nos invitaron a tomar asiento. A medida que me acerqué, otra persona ocupó el espacio. Me dirigí hacia un asiento cercano y ocurrió lo mismo. Sintiéndome como si estuviera en un juego de “musical chairs” tomé un cajón y lo coloqué en una esquina al lado del sistema de sonido. Me indicaron que no podía sentarme allí, y me señalaron la posibilidad de acomodarme en la pared contraria entre dos personas. Me dirigí hacia el espacio decidiendo sentarme mejor en la esquina... al lado de la puerta. La función iba a comenzar, se apagó la luz... se abrió la puerta... y una de las nietas me dijo al oído “por favor, muévase... no puede estar ahí”. En ese instante me pregunté si hice bien en llegar al barrio, pero como estaba oscuro, no tenía la posibilidad de irme. Sólo alcancé a llevar el cajón al espacio que me señalaron originalmente entre las dos personas... a oscuras y casi por tacto. Una vez ubicado, se escuchó el sonido de los autos en la carretera... silencio, seguido por más sonidos y las luces de los autos. Miro la pared donde originalmente quise sentarme, el espacio pintado de blanco. Me calmo, escucho... más sonidos de autos en la carretera y el despliegue de patrones lumínicos en movimiento en aquella pared. Impresionado por los patrones, le comento a la persona a mi lado... “los patrones... ¡que brutal!”. A medida que observo los patrones, profundizo... entro en un mar de recuerdos de mi niñez; hasta llegar al recuerdo del espacio donde dormía en la casa de mi abuela paterna, a quien apenas conocí... En ese momento entendí que mi aventura del “pase misín” para ubicarme en aquel lugar preciso no había sido casualidad, que mi experiencia del Manual del Bestiario Doméstico comenzó en el preciso momento en que escuché la conversación en “Y no había luz”. ¡Incluso los nombres de los espacios parecerían haber conspirado para que yo tuviera mi experiencia con Las Nietas de Nonó!


Lo experimentado en el Callejón Juan Ojeda del Barrio San Antón fue muy personal para quien lo presenció; estuvo lleno de momentos mágicos y de sincronía: caballos que pasaron oportunamente por el barrio en el momento escénico donde se utilizó el sonido de una carrera de caballos y hasta intervenciones de vecinos que añadían lectura a la propuesta. Los eventos inesperados parecían confabular con la intención de la producción... provocaron sentir lo que significa vivir al margen ante la opresión de lo institucionalizado.


Las Nietas de Nonó (Lydela Leonor y Michelle Nonó) presentan una mirada honesta basada en sus propias experiencias que provoca reflexión. Anoche quedó atrás lo perfecto, lo bello, lo hermoso para entrar al mundo de la sincronía. La sincronía provoca pensar si la propuesta, más allá de tener sentido real, nos invita a tomar consciencia y reflexionar hacia donde vamos como pueblo... como nación.

Sin prometer que los mismos eventos se repetirán, pero garantizando una experiencia personal que no encontrará en el escenario tradicional, les exhorto a presenciar el Manual del Bestiario Doméstico. Éste se repetirá los sábados 8, 15, 22 y 29 de marzo a las 7:00 de la noche (donativo: $7.25). Pido su comprensión ante la falta de fotos y descripción de la pieza. En esta ocasión, sería imperdonable arruinar la magia de lo inesperado.

Debido al espacio limitado, les exhorto a reservar, llamando al 364-0047 ó 675-8771


Puntos de referencia para llegar al barrio...


Dirección desde Santurce:
* Si transita el Expreso Baldorioty de Castro en dirección a Carolina, le recomiendo quedarse en el carril del centro para no desviarse a la derecha para Plaza Carolina ni a la izquierda para la 66 hacia Fajardo. Sigua la Baldorioty hasta el final, verá un letrero que dice Saint Just y luego el semáforo donde debe virar a la izquierda y continuar hasta el próximo semáforo donde voltea a la derecha (por ahí cerca esta Cesco). Esa es la Carr. 848. Continúe directo todo el tiempo, y después de pasar la cancha del barrio que queda a mano derecha (va bien, vaya lento que está cerca), se va a encontrar con Chiky Auto Part. Luego de Chiky, tome la próxima entrada a mano izquierda: ése el Callejón Juan Ojeda… en la primera parcela está la Casa de Nonó.

Dirección desde Trujillo Alto/Rio Piedras:
*Si transita el Expreso de Trujillo, doble en la intersección de la Carr. 848 (la entrada tiene un McDonalds y Popeye’s). Si viene de Trujillo Alto/Cupey doble a la derecha. Si viene de Rio Piedras doble a la izquierda. Una vez esté en la Carr. 848 sigue por unos 5 minutos y doble a la derecha en la Calle Juan Ojeda (tiene un banderín) Si pasa Chiki Auto Parts quiere decir que se pasó.




sábado, 3 de agosto de 2013

Talleres


Entre tú y yo




Conocida la intensidad y el poder mágico de las interconecciones entre lo interno y externo desarrollada durante los talleres de Ana Sánchez-Colberg, este Lunes 5 de agosto comienza Entre tú y yo. En colaboración con CoDa21, el taller se extenderá hasta el 12 de agosto (horario 6-9PM) cuando culminará con una presentación en el Teatro Emilio S. Belaval de la Universidad Sagrado Corazón.



Con pocos espacios disponibles, matricula e información: (787) 329-4600


Taller Internacional Ballet y Teatro


Comenzando también el Lunes 5 de agosto se celebrará el Taller Internacional Ballet y Teatro en el Centro de Bellas Artes de Santurce. Entre las ofertas, se presentará el Taller Gaga, lenguaje de movimiento desarrollado por Ohad Naharin y cuyo método revela nuestra flexibilidad y agilidad manifestando al plano conciente nuestras debilidades ofreciendo alternativas para eliminarlas. Este taller será ofrecido por Yaara Moses de Israel. Información: (787) 412-9537 / emotioninmotionpr@gmail.com










Talleres en el Museo de Arte Contemporáneo de PR:









Conducta de un no lugar: exploración entre el cuerpo y el espacio:

Dirigido por Teresa Hernández, Sábado 10 de agosto (1-4PM)




Taller de improvisación de movimiento:
Dirigido por Karen Langevin, Domingo 11 de agosto (1-4PM)





Información: (787) 977-4030




lunes, 24 de junio de 2013

Entre el cuento y la vida... “El cuento de la Mujer del Mar”


Por: Heriberto Castro


























Schhhhutzzzz.... tac, tac, tac. Schhhhutzzzz.... tac,tac,tac... tac. El sonido de una navaja como parabrisas sobre un simulacro de espejo ensangrentado se apoderó del espacio, llamando la atención a un texto enunciado con una particular cadencia; texto que coexistía con el sonido rítmico de la hoja afilada contra un cristal. Como el tic tac del reloj... el transcurrir del tiempo y un texto que arrebató la Sala Experimental Carlos Marichal del Centro de Bellas Artes de Santurce el pasado 14 de junio.


Resultado del laboratorio de creación escénica de la Casa Cruz de la Luna en el pueblo de San Germán, “El cuento de la Mujer del Mar” de Manuel Ramos Otero es un reto a nuestra sabiduría interior: viajar por el laberinto creado por el autor pone de relieve la pura ausencia de respuestas en el camino repleto de preguntas que provoca el viaje. La dirección escénica estuvo a cargo de Aravind Enrique Adyanthaya; su narrativa complementó perfectamente la ejecución de cinco magistralmente seleccionados actores (Eyerí Cruz, Jesús Miranda, Mickey Negrón, Rafael Pagán y José Enrique Rodríguez Arzola) quienes aportaron la riqueza de sus fisionomías y movimientos a los personajes que interpretaron. Visuales y movimientos repercutieron en una secuencia de eventos que entrelazaban lo visual y lo narrado, adentrándonos en la mente de los personajes de la obra y en los misterios de nuestros propias marañas mentales.



Describir lo que allí aconteció es tarea escabrosa ante el carácter multidimensional tanto
de la puesta en escena de Adyanthaya como de la obra escrita por Ramos Otero. Sin embargo, comenzaré por decir que los paralelismos de ambas propuestas se tornan evidentes en la utilización de toda una serie de recursos sensoriales y logran crear toda una atmósfera no tan sólo de entretenimiento, sino de planteamiento y reflexión, a la vez que despiertan el deseo ardiente de conocer la vida y obra de uno de escritores puertorriqueños más intensamente reflexivos, quien fuera exilado al mundo de lo desconocido dada la “persecución” homofóbica de su obra.



No intentaré entrar en el análisis del cuento; me limitaré a describir mi mirada a los aspectos visuales y al movimiento en y fuera de escena.






Esta puesta en escena tiene como comienzo la imagen perturbadora de la tortura, donde el parpadeo de las luces se añade como elemento que trastorna nuestra psiquis, pudiendo incluso provocar el deseo de levantarse y abandonar la sala por pura angustia y ansiedad. Ante lo improvisto del comienzo, el espectador ha de darse a la tarea de calmarse, respirar hondo, observar y rendirse al proceso--entregándose al momento presente. Es allí, desde lo profundo de nuestro esfuerzo que comenzamos a escuchar con detenimiento el texto narrado desde la memoria fiel del cuentista, personalizado por el propio director, Aravind Enrique Adyanthaya.

Es así como, desde la narrativa, nos adentramos en el detalle de los tatuajes del personaje, que sirve quizás como alivio de comedia, alejándonos de la memoria inconsciente que yace en nuestra conciencia colectiva. La escena presentada tiene muchos elementos que provocan el aflorar de imágenes que perturbaron al mundo en el 2004: las fotografías escalofriantes de torturas ocurridas en la prisión de Abu Ghraib en Irak.

Montaje/Edición: Ana Martínez

Temprano en la propuesta descubrimos el puro estímulo a nuestra imaginación de público al darnos cuenta de que cada cual puede estructurar los personajes internamente a medida que escucha el cuento, sin perder de vista la interpretación del colectivo Casa Cruz de la Luna… cuya construcción supera nuestro propio ingenio. A medida que la historia avanza, inflexiones en la voz del narrador añaden texturas que dirigen nuestra atención a veces hacia el texto y a veces hacia lo visual. Acariciamos la densidad de lo contado: los elementos sorpresivos visuales y la riqueza de la palabra (con todo y sus ambigüedades), añaden opulencia al movimiento.



La puesta en escena está llena de viñetas visuales ricas en contenido metafórico. Una de ellas es la exploración de la sexualidad y el sentido de identidad a través del “espejo” representado por un muñeco que imita los movimientos de uno de los personajes, hasta el momento en que el muñeco toma vida propia y confronta al mismo. Se escuche el texto narrado o no, el mensaje es diáfano y quedamos embelesados ante la propuesta y el uso efectivo del desnudo.





En ocasiones, la narrativa y los elementos visuales juegan con el tiempo, y la escena corresponde con la descripción de momentos ya pasados. En otras, todo parece ocurrir a la vez... el diálogo de los personajes toma dimensiones reflexivas, enriqueciendo el movimiento escénico y los momentos surrealistas del montaje.


El schhhhutzzzz.... tac, tac, tac de una navaja contra el cristal. El amante que llega... una habitación ensangrentada. La provocación del misterio de la agonía, el sentimiento del castigo auto-impuesto, la falta de compasión y el coraje dirigido contra nuestra propia identidad. Todo a la vez y a la vez nada en la mirada vacía en uno de los momentos más dramáticos personalizado por Mickey Negrón. Un acercamiento a su rostro a través del uso del video proyectado en una pantalla superior... colocando su rostro en neutro... mientras texturas líquidas representando sangre corren en el cristal y el texto acentúa el fatal incidente. El ritmo de la navaja, el ritmo de la voz del narrador... lo visual y auditivo conspiran para estremecer al espectador haciendo contrapunto entre la narrativa, la sangre que corre por el cristal (espejo) y el sonido de la navaja, al ritmo de las inflexiones cadenciosas del cuentista. La genialidad del momento.... puede ser descrito como el mejor “cine en vivo” que he presenciado. Los elementos cinemáticos de la obra se agudizan en esta escena: un rostro lleno de drama, la sencillez de la neutralidad de la mirada ante el abismo de la decisión y el encuentro de la muerte llamada. Sin conocimiento del mar de capacidades de Negrón, admito la impresión que me dejó un rostro que sin duda tiene el potencial de cine.
























La densidad del laboratorio escénico del “El cuento de la Mujer del Mar amerita toda la atención de la que somos capaces…la narrativa entrecruzada y la puesta en escena invitan a ser disfrutadas más de una vez, dada la multiplicidad de temas y símbolos, los espejos personificados, la dicotomía entre lo visual y auditivo... entre Nueva York y Puerto Rico... entre la sexualidad y la identidad política y de género. En un montaje rico en contenido y significado que cuenta con cinco actores del movimiento, un espacio sencillo y sin escenografías complejas, El cuento de la Mujer del Mar atrapa nuestra atención y despierta asociaciones del inconsciente a través del uso de símbolos, mientras entrelazamos eventos bajo la provocación de la incomodidad o la simple admiración visual.


16/06/13: Final improvisado de José Enrique Rodríguez Arzola quien hizo lectura del poemario "Invitación al polvo" (de Ramos Otero) y luego de empapar su cuerpo con pegamento, invitó al público a pegar las hojas del poemario en las paredes de los edificios cercanos en la Avenida Juan Ponce de León.




Al final.... los personajes invitan al público a salir de la sala para presenciar lo
14/06/13: Mickey Negrón improvisa reflexionando sobre los
disparates que cometemos en la vida subiendo la valla de
promociones frente al Centro de Bellas Artes. Es el público
quién sugiere como bajar del "disparate" cometido. (ver vídeo)
improvisado por cada cual. Mientras el texto continúa siendo narrado, algunos deciden quedarse a escuchar el final del cuento
que a su vez es representado en un vídeo de los personajes en el Viejo San Juan. La mayoría se movió al exterior. Como espectador, en un momento dado sentí que la pieza se desvanecía ante un público que se esparcía por la plazoleta del Centro de Bellas Artes (similitud con la vida de Manuel Ramos Otero... una vida rica que se fue desvaneciendo junto con el gran potencial desparramado...). Pero el cuento continúa y allí cada cual decidió su final en una improvisación de la vida misma: la interacción de los personajes en performance con el público nos trajo a la realidad, a lo vivido... y a la posibilidad de enfrentar nuestros propios monstruos.




La improvisación de Jesús Miranda sugiere una mirada desde la realidad aparte (16/06/13):




Mickey Negrón sale del "disparate"



Entrenamiento en técnicas de movimiento:
Entrenamiento en yoga y danza: Jesús Miranda
Muñeco y tocados: Deborah Hunt



Sombrero de cabezas de muñeca utilizado por Mickey Negrón en su improvisación sobre "el disparate" posibilita la metáfora de nuestros múltiples pensamientos o personalidades; todo lo que somos.







La presentación continúa el 28 y 29 de junio en el Teatro La Tea en el Clemente Soto Vélez Cultural and Educational Center de la ciudad de Nueva York (107 Suffolk) a las 4:00PM (smarttix.com).



lunes, 10 de junio de 2013

Conmovedor y sorpresivo el Romeo y Julieta


Por: Miriam Montes Mock













Interesante. ¡Estupendo! Para el gusto europeo. Diferente… Simbólico. ¡Qué intenso! Estos fueron algunos de los comentarios que se escucharon entre los asistentes al ballet Romeo y Julieta (concepto y coreografía de Gina Patterson) que presentó en el Teatro de la Universidad de Puerto Rico la compañía de danza CoDa21, dirigido por la también bailarina Denisse Eliza.



El público puertorriqueño ha disfrutado otros conceptos coreográficos de Gina Patterson, quien ha logrado imprimir en los bailarines con los que trabaja una calidad interpretativa sobrecogedora, producto de la exploración interna del bailarín, del que hurga dentro de sí el sentimiento profundo, el gesto auténtico, la magnitud de la emoción. Su Romeo y Julieta tuvo el indudable acierto de conmover a la audiencia a través de esta historia de amores, pasiones y odios, mediante el lenguaje contemporáneo de su danza y la exploración poética de su representación.





Jesús Miranda (Lord Capulet), Denisse Eliza (Julieta), Rebeca Canchani (Lady Capulet) y Arleane López (Espíritu de Julieta).





























Si bien la interpretación poderosa que los bailarines imprimieron a sus personajes fue un logro estupendo, me pareció que la producción en su totalidad, esa combinación de concepto, coreografía, interpretación, plástica y elementos teatrales, fue capaz de transmitir las sensaciones que crean los poemas apasionados. Esa fue la impresión que experimenté cuando finalizó la función del sábado, a la que asistí: un sentimiento de asombro, de fascinación, de turbación. Como si la historia, capaz de arropar mis sentidos y mantenerme en vilo durante todo el espectáculo, me hubiese hundido en aguas profundas y, sin comprender del todo sus mareas y corrientes, me arrastraba, embelesada, atónita, por ratos confusa, a destinos sorprendentes. Y es que esta historia de siglos, original del célebre escritor William Shakespeare, trascendió la Italia renacentista, las casas de Montesco y Capuleto y las condiciones socioculturales de la época, para insuflarle actualidad y pertinencia a un público atemporal. En Julieta, pues, habita cualquier adolescente mimada y protegida por los suyos, que se enfrenta a las inquietantes emociones que despiertan el amor y el deseo. Los conflictos de entonces son los nuestros: el ansia de amar, el tormento de la incomprensión, las disputas de clase, el odio, la locura.


Masa Kolar interpreta La LOCURA en Romeo y Julieta

Las palabras de Gina Patterson Romeo suscritas en el programa (sí, ella advierte la coincidencia entre su apellido y las fuerzas del destino) nos invitan a sumergirnos en su interpretación metafísica de Romeo y Julieta, como si con su expresión literaria nos advirtiera los lenguajes metafóricos, el simbolismo de su escenografía, los fantasmas que habitan sus personajes. “¿Es el dolor el que nos conduce a la locura o es la locura la fuerza motriz? Dolor, rabia, suicidio e incluso el amor son todos impulsados por ella. ¿Cómo es la locura? Cualquiera puede ser preso de ella en cualquier momento… Las paredes de nuestra mente tienen recuerdos, fantasmas y premoniciones. Pueden proteger o prohibir. Cualquiera que sea la puerta que usted elija para entrar, la locura estará ahí para abrirla al otro lado…”










Kirk Henning y Denisse Eliza interpretan a Romeo y Julieta; coreografía G.Patterson
Este no es un Romeo y Julieta usual. Tampoco es uno de fácil comprensión. El espectador percibe los mundos psicológicos intricados a través del movimiento, del color, del gesto, de la utilería, de la proyección en vídeo, de las entradas escénicas, de la voz shakespeariana, del grito “¡Julieeetaaa!”. Capta el dolor, el odio, la hipocresía, la inocencia, la contienda. Patterson ha escogido comunicarnos su historia a la manera de los poetas: con la sugerencia del verbo. El público debe permutar la acción concreta por la exquisitez de la insinuación. En ese sentido, la audiencia tropieza con la construcción inusitada de un ballet que, lejos de hilvanarse con un lenguaje clásico y una historia en blanco y negro, transita por los vericuetos enigmáticos de la naturaleza humana y fragua una proyección simbólica. Así, la imposibilidad del amor entre los adolescentes se representa con dos rocas enormes que se agrietan, la batalla entre las familias que riñen es una danza, los espíritus de Julieta se desdoblan e interactúan, y la locura es un personaje de carne y hueso.






Una de las escenas más conmovedoras, a mi juicio, fue la muerte de Teobaldo, dramatizada por una capa roja atravesando el escenario y el grito desgarrador de Lady Capulet, interpretado convincentemente por Rebeca Canchani. No hay duda de que Canchani, quien ya ha probado su veteranía en los teatros y su excelente capacidad histriónica, conquistó a la audiencia con la intensidad de su caracterización.





Sara Lovett 



De otra parte, la ejecutoria vigorosa de la actriz y escritora Sara Lovett mientras recitaba en inglés fragmentos alusivos a la historia, interesante para algunos, resultó ser un ingrediente desatinado para un sector del público, no solamente debido a la dificultad para entender su alocución, sino por presentarse en un país hispanoparlante.










La LOCURA (Masa Kolar) arropa a Julieta (Denisse Eliza).
Hay un proceso creativo muy refinado, muy cuidadoso, muy hondo, detrás del Romeo y Julieta presentado por CoDa21, que ha sido capaz de integrar una variedad de elementos –alegóricos y reales- para ofrecernos una producción mágica, cautivante. Los bailarines, inmersos en sus personajes, lograron comunicar con fervor las particularidades de sus actuaciones. Denisse Eliza lució juvenil e ilusionada en el papel de Julieta aunque, en mi opinión, las escenas románticas pudieron trabajarse de manera más elocuente para beneficio del público que observaba a la distancia. No obstante, el protagonismo y la fuerza dramática de la historia representada por CoDa21 no descansó en el personaje de Julieta, como suele ocurrir en los ballets clásicos, sino en la encarnación de la locura, eje primordial a través del cual se suceden los hechos y las premoniciones de esta tragedia.
































Kirk Henning y Denisse Eliza como Romeo y Julieta junto
a Roberto López en el personaje del cura.



Participaron, además de Canchani y Eliza, el resto de la compañía de CoDa21, a saber, Jesús Miranda, Roberto López, Omar Nieves, Ana Victoria Fridman, Adriana Aybar Urrutia, Yamilette Padilla y, sustituyendo temporeramente a Vesna Lantigua, Arleane López. Los papeles de Romeo, Mercucio y el Conde de París estuvieron interpretados por los artistas invitados Kirk Henning, del Suzanne Farell Ballet; Chris Hannon, del James Sewell Ballet; y Maykel Acosta, egresado de la escuela cubana de ballet y quien goza de una trayectoria sobresaliente como primer bailarín clásico. Igualmente Masa Kolar, graduada en Bélgica y quien ha sobresalido como bailarina, profesora y coreógrafa de danza moderna, ejecutó el personaje de la locura de manera estupenda.












Rebeca Canchani en el personaje de Lady Capulet.


El diseño de vestuario, escenografía y concepto del filme estuvo a cargo de Jorge Gallardo, mientras que Gerónimo Mercado creó la proyección en vídeo que se transmitió al inicio de la función. CoDa21 disfruta el talento de Lourdes Gómez, graduada de la Escuela Nacional de Artes, en Cuba, como maestra y directora de ensayo de dicha compañía.






























Felicitamos a CoDa21 por un genial Romeo y Julieta que, por cierto, conviene 
presenciar más de una vez.